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APROXIMACIÓN A SVETLANA ALEKSIÉVICH




APROXIMACIÓN A SVETLANA ALEKSIÉVICH

Por

Musa Ammar Majad Rondón

2015

     Svetlana Aleksándrovna Aleksiévich —también escrito Alexiévich. Transcripción del ruso: Светла́на Алекса́ндровна Алексие́вич; en bielorruso Святлана Аляксандраўна Алексіевіч Sviatlana Aliaksándrauna Alieksiyévich. Tal el nombre que nos ocupa hoy. Se trata de una escritora y periodista bielorrusa en lengua rusa, galardonada con el Premio Nobel de Literatura recientemente, nacida el 31 de mayo de 1948.

     Svetlana Aleksiévich es hija de dos maestros. Su padre, bielorruso; su madre, ucraniana. Nació en el pueblo de Stanislav, conocido hoy día bajo el nombre de Ivano-Frankivsk, en la Ucrania soviética. No obstante, fue criada en la república soviética de Bielorrusia. Estudió periodismo en la Universidad de Minsk. Se sabe que al graduarse marchó a la ciudad de Biaroza, en el óblast o provincia de Brest, para trabajar en el periódico y en las escuelas locales como profesora de historia y de alemán. Esta ambivalencia laboral originó en ella un debate interno sobre continuar la tradición familiar de trabajar en la enseñanza o mantenerse de lleno en el periodismo.

     En este último rol, se desempeñó como reportera en la prensa de Narowla, en el óblast o provincia de Gómel. Desde sus días de escuela había escrito poesía y artículos para la prensa escolar; también en la revista literaria Neman, de Minsk, donde publicó sus primeros ensayos, cuentos y reportajes. Es sabido que el escritor bielorruso Alés Adamóvich la inclinó a la literatura. En ese entonces se apalancaba una suerte de literatura múltiple.  Se trataba de un nuevo género de escritura polifónica, conocida como “novela colectiva”, “novela-oratorio”, “novela-evidencia”, entre otros nombres. Dicho género implicaba la creación de textos que se encontraban a medio camino entre la literatura y el periodismo. Se usaba la técnica del collage, yuxtaponiendo testimonios individuales, buscando aproximarse a la sustancia humana de los acontecimientos.

     En consonancia con sus aptitudes, Svetlana Aleksiévich viajó. Y mucho. Visitó casi toda la Federación Rusa. Esto, aunado al estilo literario descrito, fungió de basamento para un primer libro: La guerra no tiene rostro femenino, de 1983. En él, a partir de entrevistas, abordó el tema de las rusas que participaron en la II Guerra Mundial.  En 1985 se estrenó la adaptación teatral de este libro. Fue en Moscú, lo que se configuró como un importante antecedente en la Glásnost o apertura del régimen soviético iniciada por Mijaíl Gorbachov.

     También destaca el texto conocido como Los chicos de zinc o Ataúdes de zinc, de 1989. Aquí se compila un mosaico de testimonios de madres de soldados rusos que participaron en la Guerra de Afganistán. Igualmente, en Cautivos de la muerte, de 1993, ofrece la visión de aquellos que no pudieron sobrevivir a la idea de la caída del régimen soviético y se suicidaron. Otro, Voces de Chernóbil, de 1997, expone el heroísmo y sufrimiento de quienes se sacrificaron en la catástrofe nuclear. Éste, a pesar de ser un libro con traducción a veinte idiomas, continúa prohibido en Bielorrusia.

     Como se observa, la obra de Svetlana Aleksiévich implica una crónica personal de la historia de hombres y mujeres soviéticos y postsoviéticos, entrevistados durante los momentos más dramáticos de la historia de un país. Así, convergen, itinerantes, la II Guerra Mundial, la Guerra de Afganistán, la caída de la Unión Soviética, el accidente nuclear de Chernóbil.

     Para el año 2000, Svetlana Aleksiévich, enfrentada al régimen autoritario y a la censura del presidente Alexander Lukashenko, abandonó Bielorrusia. Durante una década estuvo viviendo en París, Gotenburgo y Berlín. En 2011 volvió a Minsk.

     Del premio Nobel de Literatura otorgado este año a su persona, quedan dos cuestiones de fondo importantes. Una, Svetlana Aleksiévich se constituye como la primera escritora de no ficción con este premio en un siglo. Otra, dentro de poco podremos leer en lengua castellana la gran mayoría de sus obras, aún sin traducción.

     Enhorabuena.




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GASSAN KANAFANI, A 41 DE SU ASESINATO, SIGUE SIENDO LA FIGURA MAS DESTACADA DE LA CULTURA PALESTINA



Hace 41 años, Gassan Kanafani, el mas brillante de los literatos palestinos, fue asesinado por militares sionistas, mediante un artefacto explosivo colocado en su vehículo el día Sábado 8 de Junio de 1972 en Beirut. 

En este acto criminal falleció junto al gran literato palestino su sobrina Lamis de 17 años. Este 8 de julio de 2013, se cumplen 41 años del asesinato del gran literato palestino Gassan Kanafani. Solo logró vivir 36 años. 

Lo asesinaron por temor a su pluma, que era mejor arma, su pluma, fue mas eficaz, algo que el fascismo no soporta, ¡simplemente lo mataron!. 

A través de la historia los bàrbaros salvajes quemaron bibliotecas (Alejandría, Babilonia, Bagdad, Chile, Palestina), Cortaron los dedos de los canta autores (Víctor Jara) y asesinaron a Gassan Kanafani, pero olvidaron una vez mas, que las personas podrán morir pero “la idea” “el pensamiento” “la esperanza” crecen, se fortalecen y se multiplican y son el pan de donde la humanidad y los amantes de la libertad se alimentan. 

Gassan Kanafani uno de los mas destacados valores de la literatura palestina contemporánea. Si Mahmud Darwish representa la poesía, Kanafani representa la narrativa, y específicamente la narrativa del exilio. Kanafani, como la casi totalidad de los escritores palestinos, es un intelectual profundamente comprometido con la causa de su pueblo. 

Desde los 15 años ha estado involucrado activamente en la Resistencia, afiliándose primero, en 1953, al Movimiento de los Nacionalistas Arabes, y a partir de 1967, al Frente Popular de Liberación de Palestina (FPLP). 

En 1956 emigró a Kuwait y en 1960 se trasladó a Beirut en donde se destacó como un combativo periodista, llegando a ser redactor jefe del diario “Al-Muharrir” y fundador del semanario “Al-Hadaf”, organo oficial del FPLP. 

El 8 de julio de 1972, a los 36 años de edad, fue asesinado junto a su pequeña sobrina, por los servicios secretos israelíes, ya que, ”su Pluma era mas eficaz que las armas” Aparte de su intensa actividad periodística, Kanafani dejó una considerable obra narrativa (cuentos y novelas) que tienen como tema central el sufrimiento y el exilio del pueblo palestino. Esta obra fue dada a conocer plenamente a lo largo de los años 60 y 70 y constituyen un impresionante testimonio, tanto por su crudo realismo y su justa descripción de situaciones y personajes, como por la indiscutible calidad literaria que ha merecido el reconocimiento de la crítica especializada. 

A esta dimensión creadora hay que agregar sus ensayos literarios (La literatura de la resistencia en la Palestina ocupada, la Literatura sionista) y sus trabajos sobre la problemática política que revelan a un temperamento preocupado por las definiciones ideológicas y por el destino de su pueblo. 

En 1988 la Editorial Arte y Literatura de Cuba, especializada en traducciones de literatura extranjera, publicó una de las obras más importantes de Kanafani, la que probablemente le ha dado más prestigio: Hombre en el sol, aparecida en Beirut (tradicional refugio de la inteligencia palestina) en 1963, con ilustraciones de Muna Al Saudi. Esta noveleta o novela corta trata directamente el problema del exilio, la necesidad imperativa de emigrar que tienen los palestinos pobres, oprimidos y humillados, la historia gira alrededor de tres palestinos pertenecientes a tres generaciones que luchan desesperadamente por llegar a Kuwait, espejismo de la “tierra prometida”, país que supuestamente les ofrecerá bienestar y les hará olvidar sus incontables penas. A lo largo de una serie de episodios y estampas que definen la estructura de la obra, Kanafani logra poseer la atención del lector introduciéndolo de lleno en la tragedia de un pueblo cuya sobrevivencia constituye un reto para la humanidad entera, sin distingos de partidos, credos o naciones. Siguiendo la trayectoria del camino a Kuwait, Kanafani va delineando cuidadosamente la psicología de sus personajes populares: Abu Kais, el anciano que representa a la generación vencida; Assad y Marwan, representantes de las nuevas generaciones: personajes acosados por la miseria material y social que tienen como recuerdo común la experiencia en los campos de refugio; hombres de la Palestina eterna que huyen de sí mismos, de su sombra, de su pasado, pero que son incapaces todo por su individualismo extremo, de avizorar la alternativa liberadora. La muerte de los tres personajes en un camión cisterna es símbolo de esa impotencia. 

Es notoria en la narrativa de Kanafani la presencia de elementos líricos que funcionan en la historia como recursos de intensificación emotiva o dramática/ La misma dispersión de la escritura, estructuración a base de episodios, escenas, instantáneas, recuerdos, propicia un clima eminentemente poético, a la descarnada temática realista y a la inocultable problemática política. “Los ojos se le llenaron de lágrimas. Las sentía brotar, ardientes, como un manantial que desde las entrañas le fluyera hasta anegarle en llanto. Hubiera querido decir algo, pero no podía. Se volvió y salió a la calle. A su alrededor todo flotaba tras un velo de lágrimas contenidas. Otra vez el presente: el río que fundía con el cielo allá en el horizonte. Fragmento como éste nos da una idea del temperamento estético de Kanafani su capacidad de transmitir en imágenes la realidad. 

Sus obras: A pesar de haber muerto a la edad de 36 años, Kanafani fue un autor prolífico. Escribió cuatro novelas completas (y tres inacabadas), cincuenta y siete relatos breves (recogidos en cuatro recopilaciones) tres obras de teatro completas (y una incompleta) tres ensayos literarios y una multitud de artículos periodísticos. La temática de la obra de Kanafani plantea (e intenta dar respuestas) a cuestiones como la identidad palestina, la patria (y la tierra) perdida, la situación de los refugiados o la toma de conciencia individual y colectiva. 

Sin embargo, la obra de Kanafani excede los límites de la situación palestina planteando temas universales como la felicidad pasada, el drama de la inmigración o la relación entre tiempo y memoria. Pero si un tema destaca entre todos los demás, éste es la construcción de la nación Palestina a través de la narración. La obra de Kanafani no sólo es una crónica de su tiempo o una forma de denunciar la situación del pueblo palestino. 

La obra de Kanafani responde a la necesidad de construir (textualmente) una nación que, hasta el desastre de 1948, no había tenido la necesidad de hacerlo. En su obra, la nación palestina es una narración que se construye mediante diferentes herramientas textuales (la idea nación-narración se define ampliamente en la obra de K. Bhabha Nation and Narration).

Kanafani utiliza diferentes recursos estilísticos como el simbolismo, el diálogo interior, el recuerdo o las impresiones sensoriales para, tal y como Yahya Hassan y Noritah Omar sugieren, crear una tierra, una nación y crearse un espacio para él y su gente. 

Novelas 

Hombres en el sol. Beirut, 1963. 
Lo que nos queda. Beirut, 1966. 
umm sa’d. Beirut, 1969. Retorno a Haifa. Beirut, 1970. 

Novelas en español 

Kanafani, Ghassan.Hombres en el sol; Lo que os queda; Un Saad.Madariaga, M. Rosa de (trad). Ediciones Libertarias-Prodhufi, 1988. 176 p. ISBN: 84-404-2758-1 
Kanafani, Gassan. Un mundo que no es nuestro. Prieto González, María Luisa (trad). Huerga y Fierro Editores, 1995. 224 p. ISBN: 84-88564-66-X 
Kanafani, Gassan. Umm sa’d. Abdallah El-Geadi, Mohamed (trad). Elgeadi Abdallah-Brahim, Mohamed, 1998. 96 p. ISBN: 84-404-2758-1 

Obras de teatro 

La puerta. Beirut, 1964. 
Un Mundo que no es nuestro. Beirut, 1965. 
El sombrero y el profeta. Beirut, 1973. 
Incompleta Puente hacia la eternidad. 1978. 
Recopilaciones de relatos Muerte en una cama nº 12. Beirut, 1961. 
La tierra de las naranjas tristes. Beirut, 1963 
Sobre hombres y rifles. Beirut, 1968. 
La camisa robada y otras historias. 1982 

Ensayos 
Literatura de Resistencia en Palestina Ocupada 1948-1966. 
Sobre la Literatura Sionista. 1967. 
Literatura Palestina de Resistencia bajo la ocupación 1948-1968. 

Al Hadaf Palestina, Palestinalibre.org
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DE OCTAVIO PAZ...



Latir del tiempo que en mi sien repite
la misma terca sílaba de sangre.


La luz hace del muro indiferente
un espectral teatro de reflejos.


En el centro de un ojo me descubro;
no me mira, me miro en su mirada.


Se disipa el instante. Sin moverme,
yo me quedo y me voy: soy una pausa.


Octavio Paz.
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LITERATURA E IDIOMAS MODERNOS


Si bien la literatura en español es una de las más importantes y extensas del mundo (no sólo porque la lengua en la que se escribe es una de las más habladas y escritas, sino por la importancia y volumen de sus aportaciones al elenco de la literatura universal), no es menos cierto que igual de ricas son las aportaciones literarias de otros idiomas, conocidos a nuestros efectos como modernos: inglés, francés, italiano, alemán, portugués.
En tal sentido, si unimos al interés por conocer estos idiomas una suerte de curiosidad por la cultura universal, estaremos entrando, gracias al ejercicio de la lectura diaria de obras literarias de carácter imperecedero, en el dominio paulatino de una lengua que, poco a poco, dejará de sernos extraña.
En el caso de un estudiante o profesional del área de idiomas modernos este aprendizaje será una fortaleza extremadamente útil en distintas ocasiones de su vida académica y laboral. Pues podrá no sólo comentar a fondo una poesía de Goethe y de explicar de un modo conveniente una página de Sthendal, sino que además estará en capacidad de extraer de un texto las aplicaciones gramaticales diversas. En consecuencia, tendrá tanto conocimiento del idioma como aptitud para enseñarlo y para hacerse comprender en otra lengua diferente al español.
El conocimiento y la lectura de obras literarias permite, entonces, una vez adquiridos los conocimientos básicos del idioma extranjero, mantener, desarrollar y pulir esa capacidad idiomática y lingüística sin expatriarse a la nación madre de esa lengua aprendida.
Y es que al tomar una obra literaria en nuestras manos no siempre hemos de analizar sus componentes, la índole de sus verbos, la clasificación de su vocabulario, sus giros, sus modismos; al contrario, simplemente la disfrutamos. Es en este disfrute donde reforzamos, casi sin darnos cuenta, los conocimientos del idioma, en primer lugar, de la cultura, en segundo lugar, del país, en tercer lugar. Ello está en consonancia con Schwanitz (2003), quien refería que el lenguaje ha de sernos tan familiar como nuestra propia vivienda o nuestra propia casa, cuyas habitaciones no necesitamos utilizar constantemente. “El sótano de la jerga, el lavadero del desbordamiento emocional y el recinto destinado a la instalación de la calefacción, que alberga la pasión, no los frecuentamos tanto como el comedor del lenguaje coloquial, la habitación de la conversación íntima y la salita de estar en la que hacemos vida social. Lo mismo cabe decir de la buhardilla del lenguaje técnico y de la grandilocuencia, así como de la habitación de invitados, en la que hablamos un lenguaje elevado repleto de extranjerismos. Pero todas las habitaciones y todas las plantas de la casa del lenguaje deben resultarnos accesibles; hemos de poder movernos en ellas con familiaridad y facilidad, incluso con la seguridad de un sonámbulo” (p.525).
Hasta aquí hemos señalado la importancia de la literatura en el aprendizaje de los idiomas modernos. No obstante, también ocurre un procedimiento inverso, donde los idiomas modernos son importantes para la creación literaria.
Los recursos de expresión que brindan las lenguas extranjeras son trasladados a la lengua nativa. Las figuras literarias, los tropos, la métrica de un idioma son interpolados al idioma nativo para crear, primero. en base a un modelo importado y, luego, con el desarrollo propio del lenguaje llevarlo a su máxima expresión artística y apropiárselo como recurso estilístico.
Está implícito el hecho que la capacidad de comunicación del artista o del aprendiz de idiomas aumenta. El contacto con la otra lengua se vuelve cotidiano y este paso lleva al escritor a desarrollar su creatividad en base a textos u obras preexistentes, que adquiere en su lengua original y las traduce a su idioma y a su experiencia. Siempre hay comunicación entre las obras del canon literario, no entre todas pero si en algunas de ellas, rompiendo la barrera del idioma, la adaptación, el modelo, haciendo que se enriquezca el discurso de un autor vigente.
Escritores franceses como Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, Stephane Mallarmé fueron traductores y profesores de idiomas, actividades que realizaban a la par de su creación literaria. Ellos conocían el inglés, lo que les permitió ser expertos lectores de Edgar Allan Poe. La sed de conocimiento de estos grandes maestros les lleva a aprender idiomas para ampliar su arsenal de recursos estilísticos y para disfrutar de otras obras del canon literario. Además, parte de la formación literaria de Rimbaud, consistía en hacer glosas de textos en latín. Estas glosas eran interpretaciones pero a la vez recreaciones de textos canónicos, donde el alumno practicaba el latín y además entrenaba en los métodos de creación literaria.


REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA

Schwanitz, D. (2003). La cultura: todo lo que hay que saber. Madrid: Taurus.
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EDGAR ALLAN POE


Pompas del mármol, negra anatomía
que ultrajan los gusanos sepulcrales,
del triunfo de la muerte los glaciales
símbolos congregó. No los temía.
Temía la otra sombra, la amorosa,

las comunes venturas de la gente;
no lo cegó el metal resplandeciente
ni el mármol sepulcral sino la rosa.

Como del otro lado del espejo
se entregó solitario a su complejo
destino de inventor de pesadillas.

Quizá, del otro lado de la muerte,
siga erigiendo solitario y fuerte
espléndidas y atroces maravillas

(por Jorge Luis Borges)
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PORTADA DE "PLATERO Y YO"... TRADUCCIÓN DE DRISS JEBROUNI


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LIBROS, ARTE, CULTURA E INQUISICIÓN EN NUEVA ESPAÑA (VIII)


La “descuidada” actitud de la Inquisición favorece la conculcación de imágenes. Los estudios al respecto son escasos, sin embargo, los primeros acercamientos a las penalizaciones por tales representaciones dejan de lado la conjetura como suerte. En base a sus investigaciones, García-Molina Riquelme explica:
“Asimilado con el tipo anterior [el de blasfemia] se encuentra este delito, pues, así como la blasfemia es la ofensa, realizada de palabra o por escrito, contra Dios, la Virgen María o los santos, en este tipo de conculcación de imágenes se incluyen todos los atentados de obra contra imágenes, pinturas, cruces, etcétera, castigándose, no sólo la percusión violenta o fractura de tales objetos, sino también aquellas conductas que supongan un menoscabo hacia ellos y, por tanto, a lo que representan.”
Añadidos al delito de blasfemia, tales conductas e imágenes eran causa punible, pues, se sabe, para que los inquisidores iniciaran un procedimiento por blasfemia, era fundamental que las expresiones –visuales, verbales o escritas- tuviesen “sabor” a herejía. La Inquisición operaba en base a un fin y unas penalidades. El fin: castigar “por los yerros, e por los denuestos que los omes fazen si lo fizieren contra Dios, o contra Santa Maria, o contra los santos”. Las penalidades: variaban según se cometiera el delito por primera, segunda o tercera vez, según la clase social a la que pertenecía el culpable, justificando, en virtud del principio de la desigualdad de las personas ante la ley, el que se aplicaran sanciones económicas o privación de bienes a las clases altas y penas corporales e infamantes a los individuos de las clases bajas, los cuales “la primera vez eran azotados, la segunda marcados y la tercera se les cortaba la lengua”. Claro que la práctica divergía en muchos casos, apareciendo también el destierro, la comparecencia en auto de fe con insignias, la abjuración, la vergüenza pública, el envío a galeras, la reclusión, la confesión, la comunión sacramental, el “rezo de una parte del Rosario los sábados y los viernes un Credo a la Santísima Trinidad”. La pena de destierro fue considerada como una de las más idóneas para castigar a los blasfemos, cuando no tenían la categoría de nobles o de personas honestas, esto es, en el caso de que el autor del delito de blasfemia fuera plebeyo o perteneciera a la gente vil. Dada la trascendencia que habitualmente tenía este delito (en estrecha relación con la herejía) siempre parecía lo más adecuado el que el autor del mismo desapareciera del lugar donde lo había cometido. Ello porque las penas quedaban al arbitrio de los inquisidores.
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QIBYA


YABRA IBRAHIM YABRA (1926-1994)


QIBYA*


Balas
en la noche de luna llena
surcaron las colinas y los caminos.
Balas
chocaron contra los muros
y golpearon las puertas y las ventanas.
Iban dirigidas a los corazones y a las entrañas.
Balas
por detrás de las piedras,
a través de los desfiladeros,
por detrás de los sacos de arena.
Balas.
Se esparcen por las piedras arrayanes de sangre
y se pegan adornos de sangre en las paredes.
Balas
y gelignita
arrojan los cuerpos a las hienas.
Sembramos el trigo pero no lo recogimos,
regamos las vides pero no bebimos el vino.
En vano se bañó nuestra noche con la fragancia de los naranjos.
Nuestra sangre corre por la tierra roja
y sobre las piedras.
Buscad nuestras manos bajo los ejércitos de hormigas.
Cerrad las puertas,
apartaos de las ventanas,
ocultaos de la luna,
protegeos de la noche.
Pero las puertas son de madera
y las ventanas no se construyen para evitar
el aire, la luna,
la gelignita
y los colmillos de las hienas.
El corazón es de hierro pero
para las balas, la gelignita y los colmillos
es más débil que la madera.
Los brazos de Fátima rodean el cuerpo de Hasan:
una alberca de sangre,
y del padre de Hasan no queda
más que el qunbaz hecho jirones.
Buscadlos bajo las piedras
y juntad los brazos a los cuerpos.
Sembramos el trigo pero no lo recogimos,
regamos las vides pero no bebimos el vino.
En vano se bañó nuestra noche en la fragancia de los naranjos.
Nuestra sangre fluye por la tierra roja
y sobre las piedras.
Buscad nuestras manos bajo los ejércitos de hormigas.
Balas
golpean las piedras.
Gelignita.
La noche se desgarra
entre nuestros olivos y viñas.

Del poemario Tammuz fi l madina (Adonis en la ciudad). Beirut, 1959.
* QIBYA es un pueblo palestino de Cisjordania, cuyos habitantes fueron masacrados por tropas israelíes en la tarde del 14 de octubre de 1953. Ariel Sharon fue quien dirigió las tropas en aquel día.
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FESTIVAL DE LITERATURA DE PALESTINA


17 autores internacionales acudirán al Festival de Literatura de Palestina, del 7 al 11 de mayo de 2008

Europa Press

2008-05-06

Los siguientes 17 autores internacionales acudirán al Festival de Literatura de Palestina: Mourid Barghouti, Victoria Brittain, William Dalrymple, Roddy Doyle, Esther Freud, Suheir Hammad, Nathalie Handal, David Hare, Ian Jack, Brigid Keenan, Jamal Mahjoub, Claire Messud, Pankaj Mishra, Andrew O'Hagan, Hanan al-Shaykh, Raja Shehada, Ahdaf Soueif


En solidaridad con el pueblo palestino


En reconocimiento a la contribución cultural de Palestina al mundo


Para reafirmar del poder del mundo y por la responsabilidad de hablar sobre ello


INSPIRADOS por la llamada del gran pensador palestino fallecido Edward Said, para "reafirmar el poder de la cultura frente a la cultura del poder".


Como RECONOCIMIENTO a las dificultades a las que se enfrentan los palestinos al desplazarse por su propio país bajo la ocupación militar, el festival se trasladará para poder llegar al público cisjordano. Viajará por ciudades como Jerusalén, Ramallah, Jenin o Belén. Desgraciadamente este año no podrá visitar Gaza.


PATROCINADORES: Chinua Achebe, John Berger, Mahmoud Darwish, Seamus Heaney y Harold Pinter.


SOCIOS: British Council, la A.M. Qattan Foundation, Universidad de Belén, Universidad de Birzeit, la librería del American Colony Hotel, Dar an-Nadwa en Belén y Yabous Productions. También contará con el apoyo del fondo benéfico Sigrid Rausing, la Fundación Ford, la Fundación Arabe de Arte y Cultura y la UNESCO.


APERTURA: 7 de mayo: Dar al-Tifel al-Arabi Museum (Jerusalén), con lecturas del escritor de literatura de viajes más leído, William Dalrymple, el escritor británico-libanés Hanan al-Shaykh y el escritor escocés Andrew O'Hagan, entre otros.


RAMALLAH 8 de mayo: Mourid Barghouti, de Ramallah, el poeta palestino-americano Suheir Hammad y el novelista británico-egipcio Ahdaf Soueif, desde el al-Kasaba Theatre.


JENIN 9 de mayo: Sir David Hare hablará sobre el panorama político.


BELEN 9 de mayo: Roddy Doyle, Jamal Mahjoub y Nathalie Handal junto a los estudiantes de la Universidad de Belén. Esther Freud, Pankaj Mishra y otros realizarán lecturas posteriores en Dar Annadwa (Belén).


CIERRE: 11 de mayo en Jerusalén con el grupo 'Yasmeen' del Conservatorio Nacional de Música Edward Said; con lecturas de cada uno de los autores del Festival y mensaje de nuestros patrocinadores.


-- TODOS LOS EVENTOS SON GRATUITOS


-- Si desea disponer del programa completo de detalles del Festival de Literatura de Palestina, visite http://www.palestinelitfest.org/ (a partir del 7 de mayo) o envíe un e-mail a palfestinfo@gmail.com


-- Importante alcance internacional y componentes de formación.


El Festival de Literatura de Palestina es un proyecto de caridad de ENGAGED EVENTS del Reino Unido.


Solicitudes de medios internacionales, contactar con: palfestmedia@gmail.com Solicitudes de medios internacionales, contactar con: palfestmedia@gmail.com en Londres: Fiona McMorrough, +44-20-7405-7422, +44-7887730136, fionam@fmcm.co.uk; en Ramallah: Carol Michael, +970-598-198-392, carolmmichel@hotmail.com; en Jerusalén: Khaled al-Ghoul, +626-1045-02, khaled@yabous.org
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SOBRE LA FERIA DE TURÍN


Delegación palestina no participará en Feria de Turín cuyo invitado es Israel


Fuente: Terra - España


La delegación palestina anunció hoy que no participará en la XXI Feria Internacional del Libro de Turín, en el noroeste de Italia, que comenzará el próximo 8 de mayo y que estará dedicada a Israel, tras la polémica que este hecho ha desatado en Italia en los últimos días.
La delegación palestina comunicó en una nota su decisión de no asistir al acto ante 'la interpretación, quizás no deseada, que ha tomado la iniciativa al coincidir con la celebración de la Fundación de Israel, pero ignorando completamente la tragedia del pueblo palestino'.
Esta decisión se suma a un serie de actos en protesta por la presencia de la cultura israelí como invitada en Turín, que se iniciaron con la quema de banderas de Israel y Estados Unidos durante la celebración del primero de mayo en esta ciudad.
Además, la asociación Asamblea Free Palestine ha organizado una serie de actos paralelos durante esta semana, entre ellos el seminario que comenzó hoy en la Universidad de Turín bajo el título 'Limpieza étnica de Palestina', y que contó con el escritor egipcio y promotor de un boicot contra el certamen Tariq Ramadam.
Ramadam, que declinó la invitación que los organizadores de la Feria le hicieron para que asistiera al evento, alegó que al certamen 'no han sido invitados escritores israelíes, palestinos, árabes u otros, sino oficialmente el Estado de Israel y su embajador y sus representaciones diplomáticas'.
Además, el escritor concluyó que los organizadores de la Feria del Libro 'pueden dar vueltas alrededor del tema pero la decisión de celebrar el 60o aniversario de la constitución del Estado de Israel es un acto extremadamente político'.
Según responsables del seminario, las delegaciones cubana y venezolana se sumaron a este 'boicot' y cancelaron su participación en el evento, aunque desde la organización de la Feria del Libro se aseguró que la ausencia de estos escritores se debe a problemas burocráticos.
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LIBROS, ARTE, CULTURA E INQUISICIÓN EN NUEVA ESPAÑA (VI)


No importó que el Índice se volviera un instrumento de control político. El aumento de las riquezas y aún las reformas borbónicas dieron pie a la ampliación del espectro de “intercambio” cultural. Arcila Farías ejemplifica el crecimiento comercial:
“Ya en el año de 1777 se admitía que el aumento de la riqueza en Nueva España era considerable. En una comunicación a los diputados del comercio de España, declaraba el virrey Bucareli que “desde fines del siglo pasado se reconoce la constante proporción con que esto crece según el cuidado, el aumento de la población, el cultivo y el laborío de las minas, pero nunca han sido tan visibles las ventajas como en estos últimos años, que se vio salir de Veracruz la flota del señor Córdoba interesada en veinte y seis millones y medio sin contar otras partidas no de poca monta en embarcaciones particulares, que todo ha llegado a Cádiz con felicidad”. Y agregaba que la flota que en esos momentos había iniciado la venta de sus frutos en Jalapa era tan grande “cual ninguna otra se ha visto, y que por los principios que lleva en sus ventas y la abundancia de caudales que hay en el reino, nos promete un retorno que haga olvidar el de la antecedente”.
Y efectivamente, esa flota, que estuvo a cargo de Antonio Ulloa, salió de Veracruz en enero de 1778 con un cargamento por valor de 29 millones de pesos, aproximadamente, de los cuales correspondieron a particulares, en oro y plata, más de 18 millones, más otros 5 millones en frutos del país. En cambio, de cuenta de la Real Hacienda sólo condujo 5 350 000 pesos. Este aumento era una consecuencia directa de la política de facilidades otorgadas a la navegación y el comercio con las Indias, política que culminó con el Decreto de 1789, por el que Nueva España entró en el sistema de comercio libre.
El mencionado decreto tuvo repercusiones económicas y sociales muy profundas, como 1) la huida del capital comercial antiguo hacia nuevas actividades (agricultura y minería), 2) la ampliación de la clase capitalista por el ingreso de un número mayor de comerciantes, 3) el aumento del consumo de mercaderías europeas, 4) el crecimiento del volumen de los negocios, 5) la demanda de capital, 6) el fin de la hegemonía del comercio de México.
Y es que paralelamente a las novedades del reformismo administrativo borbónico, penetraron en América las corrientes ideológicas típicas de la época, que, en cierta manera, vinieron a constituir formas nuevas de “heterodoxia” y, por lo tanto, en principio materia de vigilancia y preocupación para el Estado y su instrumento de control que era la Inquisición. Se trataba de las corrientes europeas ilustradas, de filósofos, librepensadores y neojansenistas, volterianos, enciclopedistas en general, “adoradores” de la razón. Eran las formas que, desde el punto de vista conservador, constituían una corriente crítica que sometía a revisión todos los legados de la tradición, desde los fundamentos de la sociedad a los conceptos de monarquía política, desde la economía mercantilista a la religión dogmática.
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EL ÍNDICE INQUISITORIAL


Que la Inquisición ha intervenido en el desarrollo de la producción libresca es evidente. Bastaría para probarlo citar uno de los mecanismos de control típicamente inquisitorial: el Índice. Para el arte novohispano este producto de control es de suma importancia, pues, contrario a lo que se piensa, los Índices inquisitoriales no fueron absolutamente literarios. Comportaban obras religiosas, que contenían, como es de suponer, estampas. El primer Índice en castellano, el de 1551, no tiene ninguna pertinencia literaria: cuenta con la reproducción del Índice del año anterior –el de Lovaina, escrito en latín- y de la bula Extravagans, de Julio II, sobre la posesión y lectura de libros prohibidos, y contiene un catálogo de libros recientemente aprobado por los inquisidores de Toledo.
Las obras que comenzaron a formar parte de estos catálogos fueron, por ejemplo, Diálogo de doctrina christiana de Juan de Valdés, Diálogo de Mercurio y Carón de Alfonso de Valdés, Coloquios de Erasmo, El confessionario o manera de confessar de Erasmo, Tratado de libertad cristiana de Lutero, Comentarios al Génesis, La Revelación de San Pablo, La Biblia en romance.
Los Índices son guías en un proceso ininterrumpido de censura. Los períodos de publicación de los Índices inquisitoriales españoles entre 1551 y 1790, primero y último, oscilan entre ocho y cuarenta y siete años. Pero la actividad del Índice es permanente, por lo que a veces llegaron a publicarse suplementos. En total se han publicado once Índices inquisitoriales españoles, conocidos por los nombres de los inquisidores generales bajo cuyo gobierno se promulgaron, permitiendo afirmaciones como la de Marquez, quien sostiene que “los períodos históricos responden no a modas estilísticas, sino al tipo de ideología predominante que la Inquisición persigue en un momento determinado”, por lo que “la Inquisición adquiere así una unidad histórica intelegible, como organismo invariablemente represivo (...), y una clara variedad periódica que responde a los sucesivos movimientos revolucionarios desde el humanismo hasta el liberalismo”.
Es de entender. Como tribunal de fuero privilegiado y con jurisdicción delegada de la Santa Sede y también del poder civil, para investigar, perseguir y definir los delitos contra la religión católica, entregando los culpables contumaces a la autoridad secular para que por ésta fuesen castigados, con arreglo a las leyes del Estado, la Inquisición dirigió el acto de “inquirir” hacia los valdenses, los espiritualistas, el judaísmo, la demonomanía, los marranos, el iluminismo, el protestantismo y la brujería. Para cualquiera de ellos se podía agregar la idolatría, la superstición, la blasfemia, etc. En la historia de la Inquisición española sus puntos de exacerbación fueron, en un principio, el protestantismo y, ya al borde de su extinción como brazo controlador, las ideas de la Ilustración.
Siempre primaron las cooperaciones virregio-inquisitoriales en Nueva España. Las institución virreinal, como suprema instancia administrativa en Ultramar, como responsable última de todo lo que ocurriera en el ámbito de su jurisdicción, como representación personal del monarca, que, por lo mismo, tenía delegadas sus atribuciones –incluyendo todas las implícitas en el derecho de Patronato sobre las Iglesias de Indias-, hubo de mantener lógicamente relaciones estrechas con el Santo Oficio, instrumento de control social, actuando ambos en un contexto en que religión y política e Iglesia y Estado iban inextricablemente unidos.
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SOBRE LA BIBLIOTECA DE SOR JUANA INÉS DE LA CRUZ


Una de las bibliotecas novohispanas que más ha excitado la curiosidad es la de sor Juana Inés de la Cruz. En contraposición al caso de Boacio, se formó en el otro extremo, en el seno de la ortodoxia y bajo las miradas vigilantes. Paz expuso una conjetura sobre su número:
“Aunque es imposible determinar su número, no hay duda de que sor Juana reunió una considerable cantidad de volúmenes. (...) Aventuro unos mil quinientos, por lo menos. Fundo mi suposición en lo siguiente: Sigüenza y Góngora dejó al morir cuatrocientos setenta volúmenes, que son pocos, pero don Carlos era pobre y, además, tenía a su disposición la Biblioteca de San Pedro y San Pablo; Irving A. Leonard, por otra parte, cita el caso de Melchor Pérez de Soto, un simple maestro de obras, que poseía mil setecientos volúmenes. Leonard agrega que las bibliotecas de las personas acomodadas eran aún más ricas. (...) Ermilo Abreu Gómez dice que “los libros que se publicaban entonces en México no eran sino, los más, folletos y manuales de poca extensión”. Olvida que la mayor parte venía de Europa, ya sea pedidos directamente por los lectores o, con mayor frecuencia, comprados y revendidos por las librerías locales.”
Hay que señalar que los libros que engrosaron la biblioteca de sor Juana eran de común acceso en Nueva España, desde un primer momento. Los estudios científicos no conocieron trabas reales, la sed de cultura literaria se facilitaba por la exención de todo impuesto o derecho sobre los libros. (En 1584 llegaron a Veracruz ciento doce cajas de libros. Cuando se inauguró en 1649 el Seminario Palafoxiano, su fundador, don Juan de Palafox y Mendoza, donó seis mil volúmenes para la Biblioteca.) Esto es indiscutible, pues en 1538 se fundó en Santo Domingo, en respuesta a una bula del Papa Pablo III, la Universidad de Santo Tomás de Aquino; en 1540 Carlos I autorizó la fundación de la Universidad de Santiago en La Paz; en 1551 México y Lima dispusieron de sendos centros intelectuales y, a continuación, Bogotá en 1580, Quito en 1586, Cuzco en 1598, Charcas en 1624, Córdoba del Tucumán y Huamanga en 1677, Guatemala en 1687, Caracas en 1725, La Habana en 1728 y Santiago de Chile en 1738. Para el caso de Nueva España el número de instituciones académicas es amplio: Colegio de Santos en 1573, Colegio de San Pedro y San Pablo en 1572, Seminarios de San Miguel, San Bernardo y San Gregorio en 1576, Colegio Carolino de Puebla en 1576, Colegio del Espíritu Santo (Puebla) en 1558, Colegio de San Ildefonso en 1572, Colegio del Cristo en 1612, Colegio de San Ramón en 1628, Seminario Palafoxiano (Puebla) en 1649, Colegio de la Compañía (Morelia) en 1660, Seminario de Oaxaca en 1673, Colegio de niñas de Santa Mónica (Puebla) en 1680, Colegio de San José y Jesús María (Puebla) en 1691, Colegio de San Juan Bautista de Guadalajara en 1699, Seminario de San Pedro (Mérida) en 1711, Colegio de los Infantes en 1725, Colegio de las Vizcaínas en 1732, Seminario de San Ildefonso (Mérida) en 1751, Colegio de San Ignacio en 1753, Colegio de la Enseñanza la Antigua en 1754, Colegio anexo a la casa de niños expósitos en 1766, Academia de San Carlos en 1783, Colegio de Minas en 1783, Universidad de Guadalajara en 1791, Colegio de las Bonitas en 1800.
A ello va en paralelo no sólo el grueso de Doctores en Teología, Doctores en cánones, Licenciados en leyes, Maestros en artes, Doctores en medicina, sino también el número de impresores que trabajaron en Nueva España durante los tres siglos que duró la dominación española: ochenta y cuatro. Estos publicaron en América 11362 obras; su número por centurias ha sido determinado por Benítez: para el siglo XVI se registran 173 libros, más 58 de “sin fecha o fecha dudosa”; para el siglo XVII se registran 1594 libros, más 244 de “sin fecha o fecha dudosa”; para el siglo XVIII se registran 6315 libros, más 575 de “sin fecha o fecha dudosa”; para el siglo XIX se registran 2523 libros, más 150 de “sin fecha o fecha dudosa”. Así mismo el primer periódico que se publicó en Nueva España conoció la luz, con el nombre de Diario de los sucesos notables, en 1648. El número de publicaciones periódicas también presenta variantes según los siglos, siendo, respectivamente, cuatro, doce y seis periódicos para las centurias XVII, XVIII y XIX.
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TRES ESCRITORES Y SUS GATOS





Cortázar, Borges y Hemingway...
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KRISTIAN BALA. NEXOS ENTRE LA LITERATURA Y EL ASESINATO







Krystian Bala, nombre literario, si los hay, es un nombre perjudicial para un sospechoso de asesinato. Es un nombre que denuncia, que juzga y condena, independientemente de que el condenado sea o no inocente.
Hablemos del juicio por el que, una “ingenua” novela, Amok, hizo transitar a su creador. Y es que a Bala, autor del libro, lo juzgaron, en fecha muy reciente, por asesinato.
Pensar en la película Nido de cuervos es inevitable al momento de hablar de Bala, un escritor de bestsellers, acusado en su natal Polonia por un asesinato ocurrido hace siete años, no esclarecido por la policía y que él, no obstante, describe a la perfección en uno de sus libros. En Amok, Bala trata de un empresario que es torturado y luego asesinado.
El autor asegura que se inspiró en el asesinato de Dariusz Janiszewski, dueño de una agencia de publicidad, cuyo cadáver mutilado apareció, sumergido en el río Oder, en diciembre de 2000 en la ciudad de Wroclaw (cerca de la frontera con Alemania), crimen que la policía polaca no pudo resolver.
Se sabe que una llamada anónima realizada a la policía en el año 2005 sugiere a ésta que dirija su atención a la novela Amok, publicada tres años después del crimen. La policía encontró tantas similitudes entre el texto y el crimen que terminaron por arrestar al escritor. Y es que en Amok se traza un escenario que sólo la policía o el asesino podían conocer. Por ejemplo, el cuerpo de Dariusz Janiszewski fue atado de tal manera que incluso el más mínimo movimiento hacía que se apretase la cuerda que tenía alrededor del cuello, asfixiándolo cada vez más.
Amok, título del libro, es la palabra clave. En las lenguas centroeuropeas se usa la palabra amok para referirse a una furia homicida ciega. Escrito con letras irregulares en la portada del libro, el título acompaña a la imagen de un macho cabrío, que evoca ciertas reminiscencias satánicas probablemente efectivas en su cualidad referencial en la católica Polonia.
Las pruebas, más que circunstanciales, señalan que Bala había estado en Corea e Indonesia en la misma época en que se enviaron, desde esas mismas geografías, ciertos correos electrónicos, a la redacción de una televisión polaca, que hablaban del crimen catalogándolo como “perfecto”; que cuatro días después de la desaparición de Dariusz Janiszewski, el teléfono que portaba éste apareció en una subasta de Internet y lo puso a la venta un tal Chris B., nombre que se corresponde con el del escritor y que, según sus propias palabras, primero, lo encontró en una cafetería y, después y luego de retractarse de lo anterior, lo compró en una tienda de objetos usados; que la víctima era amigo, quizá amante, de su ex mujer; que el día en que murió, Janiszewski recibió una llamada desde el mismo teléfono utilizado para llamar a la madre de Bala; que la ex esposa de Bala declaró en el juicio que, tras el divorcio, éste se mostró agresivo ante sus amigos y conocidos, entre ellos Dariusz Janiszewski; que el corresponsal en Varsovia de un diario alemán cita, de fuentes policiales, que Bala aceptó la prueba del polígrafo y que la máquina dice que mentía.
A lo anterior se unen los detalles de su personalidad. El asesino de Amok es un intelectual aburrido y Bala, que se ganaba la vida escribiendo sobre sus viajes y fotografiando fondos marinos, se presentaba a sí mismo como filósofo. La grafomanía y la petulancia comprobadas del escritor pusieron nuevas pistas en su contra. Bala se jactaba de controlar sus emociones hasta neutralizarlas, hecho por lo cual, al parecer, aceptó someterse a la prueba del polígrafo. El fiscal Robert Kowalczyk descubrió que al autor le molestaba ser menospreciado pero le gustaba despreciar a otros, por lo que ese complejo de superioridad, según los investigadores, lo indujo a describir el asesinato.
Bala argumenta que toda la información de aquel suceso la sacó de las páginas de los periódicos.
Imposible no recordar a Edgar Allan Poe y su desarrollo literario de un crimen real, a cuyos datos accedió, según él mismo explica, a través de las notas periodísticas. También, en julio de 1841, apareció en el río Hudson, en Nueva Jersey, el cadáver de una joven morena. Se trataba de Mary Rogers, quien acababa de cumplir los veintiún años. El cadáver tenía las manos atadas a la espalda. Se sabe que la joven, luego de ser violada, había sido estrangulada con un trozo de encaje, al parecer rasgado de su propio vestido. La policía de Nueva York y Nueva Jersey trabajaron seria y prolongadamente sin resultados positivos y, finalmente, cerraron el caso. Más tarde, a los dieciocho meses de la muerte de Mary Rogers, el ya casi olvidado suceso cobró de nuevo vida.
Y es que estaba llamado a pasar a la inmortalidad literaria (el tiempo dirá si con la novela de Bala sucede lo mismo) con la publicación de la famosa novela policíaca El Misterio de Mary Rogers, que apareció por vez primera en forma de episodios en la revista Snowden's Ladies Companion. El autor, Edgar Allan Poe, seguía minuciosamente los hechos del caso, aunque había trasladado la acción a París y cambiado únicamente los nombres y direcciones de las personas implicadas.
Como con Bala, hay quienes aseguran que el asesino real de Mary Rogers fue el mismo Poe, quien, según dicen, el 3 de octubre de 1838, se dirigió a la tabaquería de Anderson y anduvo rondando a la joven. La fecha es importante, afirman: coincide aproximadamente con los días de la primera desaparición de Mary Rogers. No obstante, a Kristian Bala lo condenaron a veinticinco años de prisión. El móvil, según el juez, fueron los celos.

La escritura y los asesinatos han estado indisolublemente ligados. Pensemos en Conan Doyle, quien, según el escritor y psicólogo Rodger Garrick-Steele, fue amante de la esposa de Bertram Fletcher Robinson, abogado, periodista y su amigo personal. Y es que a Fletcher Robinson, Garrick.-Steele lo cree víctima de Conan Doyle, al asegurar que éste, convertido en el amante de su esposa, no tuvo reparo a la hora de inducir a esta dama al envenenamiento de su marido, el verdadero autor (y en este punto al delito de asesinato se suma el de plagio), siempre según Garrock-Steele, de El perro de los Baskerville.
Pensemos en Trotsky, asesinado el 20 de agosto de 1940 por el estalinista español Ramón Mercader, el cual, según el criminólogo mexicano Alfonso Quiroz Cuarón, tenía nexos profundos con el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, quien también, meses antes, había atentado contra la vida de Trotsky.
Pensemos en William S. Burroughs, quien estaba viviendo a comienzos de los años cincuenta en Ciudad de México. Un día, bastante ebrio, tuvo la ocurrencia de jugar a "Guillermo Tell" con su mujer, Joan Vollmer. No se sabe si le colocó una manzana en la cabeza, pero sí que allí apuntó y disparó, causándole la muerte. El autor de Yonqui siempre la consideró una muerte "accidental" y algunos investigadores forenses también aceptaron esa versión.
Pensemos en Louis Althusser, quien también mató a su mujer, Helene, estrangulándola en 1980, y también salió más o menos impune: los expertos psiquiatras dictaminaron que había cometido el crimen en un "estado de locura" y eludió el proceso penal y, en consecuencia, la cárcel.
Pensemos en Thomas de Quincey, quien trató en su obra más célebre al asesinato como una de las bellas artes.
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ARQUITECTURA CIRCULAR QUE ANTECEDE A LA DE DANTE


La formación de una arquitectura con pisos circulares la encontramos en múltiples obras, anteriores y posteriores a Dante: Opera, de Aristóteles; Almagesto, de Ptolomeo; Sobre las dimensiones y las distancias del sol y la luna, de Aristarco; Libro de Astrología, de Abraham Ben Ezra; Astronomicum caesareum, de Apiano; Sphera Mundi, de Sacrobosco; Tablas alfonsinas, de Alfonso X el Sabio; De triangulis omnimodis, de Regiomontano; De revolutionibus orbium coelestium, de Copérnico; Ophera omnia, de Thyco Brahe, etc.
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LA OBRA, EL ANONIMATO Y LA INTENTIO AUCTORIS


Con este artículo entra a colación el problema del autor, aquel que, luego del encargo, da inicio a la cadena del fenómeno artístico integral. El anonimato ha sido receptáculo de observaciones substanciales, como la de aquel autor que señala la existencia de una “angustia entre el silencio y la palabra”. Y es que bajo el anonimato el autor entra en su propia muerte, la “voz” trata de extraviar su origen, de anularse como entidad responsable.
Como invención moderna, el autor, allí donde no es identificado, donde no se le conoce, se le intenta desentrañar, junto con sus gustos y pasiones, no a través de la identificación personal, de la que se carece, sino por medio de una época, de todas aquellas franjas significativas de orden político, económico, artístico y social que enmarcan la obra. Porque, como dice Barthes, “es el lenguaje, y no el autor, el que habla”. Las referencias históricas no permiten, necesariamente, el conocimiento de un antes y un después de la obra para el autor ni el ahora de la misma para el mismo. Lo primero se acerca a la idea romántica del artista que vive antes de la obra, que la piensa y sufre, para dejar que la mano sea tan rápida como la pasión, siendo la extremidad del sentimiento; lo segundo insiste en la forma, en la lentitud para su logro, en la inscripción más que en la expresión. No obstante, queda una sospecha. Inscribir es, según Barthes, trazar “un campo sin origen”. Esto es: un espacio en el que convergen distintos elementos, ninguno de los cuales es el original, en el que se mezclan las formas, estableciendo nuevos pactos que no llevan a crear una tradición cultural sino a manipularla. Es innegable que en base a una obra anónima no se puede afirmar que el autor carece de pasiones, humores, impresiones, sentimientos, pero sí que posee esa corriente de formas, ese tejido de signos del que extrae los elementos compositivos.
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ES CHARLES BUKOWSKI

Es Charles Bukowski. No es la fotografía típica de un escritor, lo sé. Creo que por eso esta imagen me atrae tanto. No hay que decir más. Es, simplemente, Charles Bukowski, uno de los escritores más importantes del sigflo XX.
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TRADUCCIONES DE LA DIVINA COMEDIA


Ya en el siglo XV, muchas ciudades italianas habían creado agrupaciones de especialistas dedicadas al estudio de la Divina Comedia. Durante los siglos que siguieron a la invención de la imprenta, aparecieron más de cuatrocientas ediciones distintas sólo en Italia. La epopeya dantesca ha inspirado, además, a numerosos artistas, hasta el punto de que han aparecido ediciones ilustradas por los maestros italianos del renacimiento Sandro Botticelli (1445-1510) y Miguel Angel (1475-1564), por los artistas ingleses John Flaxman (1755-1826) y William Blake (1757-1827), y por el ilustrador francés Gustave Doré (1832-1883). El compositor italiano Gioacchino Antonio Rossini (1792-1868) y el alemán Robert Schumann (1810-1856) pusieron música a algunos fragmentos del poema, y el húngaro Franz Liszt (1811-1886) se inspiró en él para componer una sinfonía. La Divina Comedia ha sido traducida a más de veinticinco idiomas. La primera edición en castellano fue la de Enrique de Villena, a principios del siglo XV, hoy perdida. De mil cuatrocientos veintinueve data una versión catalana, en verso, de Andreu Febrer, y en mil quinientos cincuenta y cinco Pedro Fernández de Villegas tradujo el Infierno. Entre las versiones modernas al castellano destacan la de Cayetano Rosell (1871-1872); en verso, y muy difundida en su época fue la del conde de Cheste (1879) y la del presidente argentino Bartolomé Mitre (1894), también en verso.
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LA MALDICIÓN DE PIERRE MENARD



Enero, 1979; París comenzaba en la rue de L’Odeon para adquirir, más que nunca, emboque de agudeza y reflexión, de máxima y aforismo, de postura. Nada impide imaginar que Ben Ami Fihman, acompañado del fotógrafo Jesse Fernández, terminó de abandonar las escaleras que lo habían conducido al apartamento del pensador rumano Emil Michel Cioran con la sentencia: un fracasado es “un hombre que no tiene quizás todos los dones, pero sí muchos y no los explota”. 1980; una madrugada propicia a las confidencias, el joven escritor argentino Emilio Renzi escucha de labios de Tardewski, polaco escéptico, mientras caminan por las calles de Concordia, Provincia de Entre Ríos, Argentina, que un fracasado “es un hombre que no tiene quizás todos los dones, pero sí muchos (...) y no los explota”.

Así iniciaba La maldición de Pierre Menard, vindicación del plagio publicada en el diario La Portada el seis de junio de 1982, escrita por Z. Poster con la colaboración de Marcelo Silva. Se dice que el artículo sobrellevó al despido de Z. Poster de ese mismo diario, donde había desarrollado su carrera como caricaturista, dos meses después de su publicación.
-Es la virtud del plagio –declaraba Z. Poster ante la mirada incrédula de críticos vituperantes.
-¿Acaso el Quijote no es presentado al lector como una traducción? –preguntaba Z. Poster mientras daba otros ejemplos de versiones creativas. Dante, Shakespeare, Oscar Wilde, Graham Greene, Luciano Michelleti.
-Sobre la idea está la forma –decía Z. Poster, predicando en el desierto.
Vuelvo a su nombre. Z. Poster. Tal la forma con la que se identificaba al pie de todas sus caricaturas. Z. por la necesidad de abreviar el imposible nombre que sus padres le depararon al nacer; Poster por el apodo adquirido gracias a esa particular costumbre de hablar como si estuviera leyendo el mensaje de un cartel publicitario.
¿Los hechos? Despedido del diario La Portada, Z. Poster veía el cielo de Caracas caerse a chorros, como siempre que llovía, mientras el ruido de las sirenas alcanzaba la plaza Francia. La lluvia permanecía con esa fuerza unificadora capaz de contener, quizá transmitir, el conjunto de factores y de símbolos que conformaba la vida. Y con la vida, La Portada, la mesa de trabajo, la comunidad. Ya todo pertenecía a la nostalgia. Z. Poster evocó entonces una partícula, una sílaba, dos letras.
-Yo –dijo. No el pronombre por el pronombre mismo; sí el recurso del que disponía para hacer referencia a su propia humanidad, para designarla y reflexionar sobre ella.
-Yo –repitió y se mantuvo de pie frente a la que siempre le había parecido la única dueña de la certeza de un destino, como sólo pueden serlo aquellos que no piensan en sí mismos ni en los demás, aquellos que están muertos. Y ahora, justamente ahora, sentía a la inmensa escultura enajenada de orgullo. Ese monstruo erecto de textura homogénea aprovechaba la lluvia que calmaba para lanzarle una maldición describible como una lenta metamorfosis nacida en la materia añeja de una serie: señales sutiles, desintegración, languidez y, por fin, cambio. El cambio. Más que un proceso despiadado era una cadena aparentemente irreversible ante la cual lo único que podía hacer era acelerarla.
-Yo –repitió y con ello solicitaba una vindicación.
Decidido a desarrollar de nuevo en una tira cómica las premisas de su anterior éxito, se dio a afrontar la necesidad de encontrar un personaje. Un ser, se dijo, con la doble personalidad que caracteriza a héroes tradicionales, pues esta es la dificultad vital. Ya en una secuencia de Marco y Canela, Marco está realizando un examen en la universidad y decide cambiar papeles con su yo imaginario. Marco, que como lector no tiene reparo en aceptar las convenciones del género de historietas (nunca le pareció absurdo que alguien no reconociera en el periodista Clark Kent al superhéroe de la capa roja), se ve sorprendido cuando el profesor lo identifica por su nombre y no por el de su alter ego. La reflexión de Z. Poster es clara: la ocultación de la verdadera identidad de un personaje en el cómic resulta igual que en el teatro, donde la máscara preserva el secreto y la independencia de los niveles de identificación a pesar de que la voz delate y de que el disfraz sea obvio.
Con la modalidad del relato que interrumpe el desarrollo cronológico y lineal de los eventos para retroceder a sucesos ocurridos en un tiempo anterior, con ayuda de la retrospección, Z. Poster insertó en los esbozos de esa caricatura (sin nombre) que se había empeñado conseguir, alterando detalles no sustanciales y propiciando que A se las refiera a B, dos experiencias que Cioran le relató a Fihman, igual que Tardewski a Emilio Renzi. (La experiencia, aquí, no deviene de lo imaginario ni de los intersticios de la realidad. Aparece con la lectura para mantenerse como sólo los rumores logran hacerlo: con la repetición, de texto en texto. Ya Foucault insistió en que es menos propicio al acto de soñar el cerrar los ojos que el leer.)
Son de explicar. La primera es aquella del saboteador de ímpetus ajenos que gusta de escamotear cierta sensación de belleza suscitada por una mujer, al hacer que ésta sea blanco de la irrupción, en el caso de Cioran, de un barro infame detrás de la oreja, y, en los casos de Tardewski y A, de una verruga, que por ser verruga no resulta menos inicua. Dice Cioran a Fihman:


Un día estábamos juntos y nos presentan a una mujer que me entusiasma, que me gusta muchísimo. Al observar esto me dice: ¡Ah pero no ha mirado usted su oreja derecha? Le respondo: Está usted loco, no me interesa. –Pero ande fíjese. Mire. Al final me las arreglo para ver lo que tenía detrás de la oreja. Tenía un barro infame, en fin, un barro. Todo se derrumbó. El tipo era el demonio. Su función era sabotear los ímpetus de los demás. Era un gran conocedor de hombres.

Dice Tardewski a Renzi:


Una noche, me dice Tardewski, estábamos juntos y nos presentan a una mujer que me entusiasma, que me gusta muchísimo. Al observar esto me dice: Ah, ¿cómo?, ¿es que no le ha mirado usted la oreja derecha? ¿La oreja derecha? Le contesto: Está usted loco, no me interesa. Pero vamos, fíjese, me dijo,(...). Fíjese. Mire. Al final me las arreglo para ver lo que tenía detrás de la oreja. Tenía una verruga infame, en fin, una verruga. Todo se derrumbó. Una verruga. ¿Se da cuenta? El tipo era el demonio. Su función era sabotear el ímpetu de los demás. Era un gran conocedor de los hombres.

Para lograr las palabras justas, Z. Poster toma la primera oración de Cioran, la siguiente de Tardewski, la tercera de Cioran, así continuamente, propiciando que A le diga a B:


Un día estábamos juntos y nos presentan a una mujer que me entusiasma, que me gusta muchísimo. Al observar esto me dice: Ah, ¿cómo?, ¿es que no le ha mirado usted la oreja derecha? Le respondo: Está usted loco, no me interesa. Pero vamos, fíjese, me dijo. Al final me las arreglo para ver lo que tenía detrás de la oreja. Tenía una verruga infame, en fin, una verruga. Todo se derrumbó. El tipo era el demonio. Su función era sabotear los ímpetus de los demás. Era un gran conocedor de los hombres.

Otra experiencia es la de la mujer increíblemente fea que escribe cartas a Cioran, a Marconi, un conocido de Tardewski, y a C, un conocido de A. Según lo que recoge Fihman de Cioran, Tardewski de Marconi y A de C, sabemos: como intelectuales atraen a los muy jóvenes, a los ancianos y a las mujeres. En determinado momento de sus vidas recibieron consecuentes cartas de una mujer. Eran textos “delirantes” para Cioran, “excepcionales” para Marconi y “extraordinarios” para C. Un día de tantos, los tres intelectuales –respectivamente bajo el influjo de la música húngara, Beethoven y Pink Floyd- deciden verla. Sus razones son válidas en cuanto a reflejos análogos de una misma miseria: la necesidad de reconocimiento. Dice Cioran a Fihman:


Me visto, me pongo una corbata. Estaba en tal estado que necesitaba a alguien que me dijera: usted es el más grande, el mejor. Momentos de debilidad, en todo el sentido de la palabra.

Dice Marconi a Tardewski:


Me cambio de ropa, me pongo un traje, una corbata, (...). Estaba en un estado de ánimo tan particular que necesitaba que esa mujer y ninguna otra me dijera: Usted es el más grande, es el mejor, no hay otro poeta como usted. Momentos de debilidad que uno tiene...

Dice C a A:


Me visto, me pongo una corbata. Estaba en un estado de ánimo tan particular que necesitaba que esa mujer y ninguna otra me dijera: Usted es el más grande, es el mejor, no hay otro poeta como usted. Momentos de debilidad, en todo el sentido de la palabra.

Las tres referencias emplean idéntica sintaxis para anunciar el encuentro: “Abro y al abrir...”. A partir de aquí el monstruo femenino que eleva su inteligencia a despecho de la fealdad se hace tres. La mujer que conversó con Cioran le contó su vida a éste. Ahí culmina el episodio. Marconi y C, en contraste, conversan con la mujer, de la que sobresale su vida, su inclinación a la literatura. En ambos casos la historia prosigue más allá del referente, pues participa de principio, nudo y fin. Tal la labor: ejecutar la historia, no la anécdota o la sola idea, que no tiene desenlace.
Este no es el caso.
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